EXPOSICIÓN · CIUDAD SUR · SERGIO CASTAÑEIRA
2017-10-03 11:00 - 2017-11-10 11:00 (Europe/Paris) | CICUS · Sala MDD, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
CIUDAD SUR
De Sergio Castañeira
Del 3 de octubre al 10 de noviembre
CICUS Sala MDD De 11 a 20 horas, sábados y festivos cerrado
La ‘Ciudad Sur’ de Sergio Castañeira es un trabajo realizado en los suburbios de Sevilla, en esa zona alejada del turismo, mediante la toma de imágenes de manera casi obsesiva, pero siempre intuitiva. Día tras día, durante un largo periodo de tiempo, fue fotografiando a mujeres, hombres, muros, árboles, edificios, aceras o cielos; lo que encontraba de camino al trabajo.

Pero no se trata de un retrato de un barrio marginal en tiempo de crisis, sino que es más bien un diario íntimo sobre la búsqueda de un sentido y la constatación de la duda. “Durante tres años estuve viviendo en un barrio periférico de la ciudad de Sevilla y caminaba todos los días cruzando una frontera urbana hacia el lugar en el que trabajaba, que se encontraba dentro de la ciudad conocida, aquella que sí aparece en el mapa turístico de la ciudad”, explica Sergio Castañeira.

“En ese periodo de tiempo dicho borde y frontera, que ahora divide una carretera que antes era un río –ahora sepultado– y que se encuentra en un estado de abandono, y ante la transformación de la ciudad, sigue siendo una barrera entre los habitantes de ese anillo periférico de Sevilla y los habitantes del centro. Estas imágenes fueron lo que me encontré, lo que capturé de una manera intuitiva y de manera periódica, formando algo así como un puzzle de imágenes que terminan formando una ciudad dentro de otra ciudad, una ciudad alejada de mapas y planos a la que he denominado, ‘Ciudad Sur’”.

Sergio Castañeira es un fotógrafo nacido en Cádiz que tiene una corta pero nutrida carrera en el mundo de la fotografía. Formado en las Universidades de Cádiz y Sevilla, donde realiza el curso de Experto Universitario en Fotoperiodismo y Fotografía Documental, también forma parte del curso de Lenguaje y Creación Fotográfica impartido en ‘El Fotómata’. Castañeira ha recibido clases de fotógrafos profesionales como Ricky Dávila, Eduardo Momeñe, Anders Petersen, Jose Manuel Navia, Pablo Ortiz Monasterio o David Jiménez.

Su obra ha sido expuesta en diferentes festivales de fotografía como Sevilla Foto, Zaragoza foto, Jornadas fotográficas de Aracena, Festival Foco Norte, Barco da Prata (Lisboa), Scan Off Festival Tarragona, ICV visual Lab (Bristol), Festival de fotógrafos emergentes Pa-ta-ta, Photocopyclub (Londres), etc… A su vez ha expuesto de manera individual en Sala La Kursala (Cádiz) con publicación impresa del trabajo Ciudad Sur y en Varias Exposiciones Colectivas en España y el extranjero y junto al colectivo el Cíclope Mecánico fue becado por el programa de becas Fotopress de la Caixa por el proyecto ‘El Frente’ con exposiciones en el Caixaforum de Madrid, Barcelona y Zaragoza y publicación del libro de dicho trabajo, editado por Ediciones Anómalas.
Las fotografías de la exposición utilizadas son de la Sala Kursala.

INSTALACIÓN · INCONTINENTES · RAFAEL PÉREZ CORTÉS
2017-10-10 11:00 - 2017-11-03 11:00 | Sevilla
INCONTINENTES
Instalación de Rafael Pérez Cortés
Del 10 de octubre al 3 de noviembre
CICUS SALA EP II De 11:00 a 21:00 horas. Sábados y festivos cerrado.

Rafael Pérez Cortés presenta INCONTINENTES, una propuesta para el espacio expositivo del CICUS, donde dispone y establece relaciones entre espacio, luz, sonido y una serie de piezas instalativas de gran formato para integrar al espectador en la obra.

Desde un enfoque relacionado con lo fotográfico, –como punto de vista desde el que desarrollar la práctica artística–, muestra un trabajo de marcado carácter político y poético. Mediante un preciso cuidado estético cuestiona, entre otros aspectos, el concepto de pertenencia a través de límites y codificaciones; el tiempo como ritmo de apariciones; y la imposibilidad de contención en el entorno contemporáneo.

ABOUT ACADEMIA. Un proyecto de Muntadas
2017-10-30 11:00 - 2017-11-03 11:00, 2017-11-06 11:00 - 2017-11-10 11:00 | CICUS · Sala EP1, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
CICUS. Sala EP1. C/ Madre de Dios, 1. Sevilla
Del 23 de septiembre al 10 de noviembre de 2017
De 11 a 21 horas. De lunes a viernes.
Durante el último periodo de docencia de Antoni Muntadas en el programa Art, Culture and Technology (ACT), perteneciente al Massachusetts Institute of Technology, la Universidad de Harvard le solicitó un nuevo proyecto para presentar en el Carpenter Center for the Visual Arts. Fue la ocasión para que Muntadas se planteara evaluar los diferentes estados de la educación y sus instituciones.
About Academia, propone una reflexión sobre el sistema académico y universitario estadounidense, y más concretamente sobre cómo la dualidad público/privado, así como las complejas relaciones que se dan entre la producción de conocimiento e intereses económicos han influido en la educación y en sus diferentes formas de pedagogía. Tiene como resultado dos instalaciones que se complementan con dos publicaciones.
La traducción y el subtitulado al castellano de About Academia I y II, Sobre Academia, que se presenta por primera vez en el Estado español en las salas de CICUS, ha sido producida por el Centro de Iniciativas Culturales (CICUS) de la Universidad de Sevilla, Septiembre 2017.
Para que tenga sentido este proyecto cuando se expone en universidades no estadounidenses, Muntadas propone una serie de debates que contextualicen los conflictos y dificultades por los que atraviesan el sistema universitario que la acoge. Por ello en el espacio CICUS, se producirán mesas de trabajo con profesores de diferentes Universidades españolas y europeas, encuentros, conversaciones, sesiones, de forma que la sala donde se muestra el proyecto se piense como espacio de trabajo y no solo como espacio de exhibición.

Programación de actividades:
PRESENTACIÓN DEL PROYECTO

23 de Septiembre, 12,00h, CICUS:
Antoni Muntadas y Niels Van Tomme

ACADEMIA ESPAÑOLA
20 de octubre de 2017, 19,30h, CICUS:

Aurora F. Polanco (Profesora
Titular en el Departamento de Arte
Contemporáneo de la Universidad
Complutense de Madrid).

José Díaz Cuyás (Profesor de Estética
y Teoría del Arte en la Universidad de
La Laguna).

Antonio Ariño Villarroya (Catedrático
de Sociología de la Universitat de
València).

ACADEMIA EUROPEA
10 de noviembre de 2017, 19,30h, CICUS:

Mari Paz Balibrea (Profesora del
Department of Cultures and Languages
Birkbeck, University of London);

Laurence Rassel (Directora de la
École de Recherche Graphique.
École Supérieur des Arts. Bruxelles).

Alexander García Düttmann
(Catedrático de Philosophische
Ästhetik, Kunstphilosophie,
Kulturtheorie, Kunsttheorie, Institut
für Kunstwissenschaft und Ästhetik,
Universität der Künste, Berlin).

UNIVERSIDAD Y CULTURA EN EUROPA: CHARLAS, CONVERSACIONES, OTRAS MESAS DE DISCUSIÓN

Octubre, 19,30h, CICUS:

César Antonio Molina (Universidad
Carlos III, Madrid)

Octubre, 19,30h, CICUS:

Juan Carlos Mouga (Universidad de
Cádiz).

Octubre, 18,00h, CICUS:

Javier Rivera (Universidad de Alcalá
de Henares).

Octubre, 19,30h, CICUS:

María Nagore (Universidad
Complutense, Madrid).

Noviembre, 19,30h, CICUS:

Enric Mira (Universidad de Alicante)
y Cristina Guirao (Universidad de
Murcia).

Noviembre, 19,30h, CICUS:

Elvira Dyangani (Goldsmiths, Creative Time y Fondazione Prada)

TRANSFORMACIONES XI · ARTE Y ESTÉTICA DESDE 1960 · EN TORNO A LA IDEA DE DISPOSITIVO
2017-11-02 19:00 | Centro Andaluz de Arte Contemporáneo · CAAC, Avenida Américo Vespucio, 2,41092 , Sevilla, España
Transformaciones: Arte y Estética desde 1960 / XI Edición. En torno a la idea de dispositivo
MÁS INFORMACIÓN E INSCRIPCIÓN AQUÍ

EL MUSEO IMAGINARIO.
JUAN BOSCO DÍAZ DE URMENETA MUÑOZ – Crítico de arte y Profesor Titular de Estética. – Universidad de Sevilla.
GLORIA MARTÍN MONTAÑO – Artista
Contenidos
¿Sobre qué entramado descansa el arte? ¿Qué actividades lo alimentan? ¿Qué instituciones lo preservan? ¿A qué precio? Estas son algunas de las preguntas que corren a lo largo del arte moderno, a veces bajo los silenciosos rasgos de la ironía, en otras ocasiones con el calor de la protesta y otras con acciones de rechazo. En torno a 1992 se abre una vía más sistemática y menos patética que se esfuerza en el análisis de los diversos medios en los que se produce y reproduce el arte: el museo, la exposición, la colección, el mercado, la crítica, la historia y teoría del arte. Esta vía, llamada “crítica institucional”, se convierte desde entonces en reflexión sobre el arte y en práctica artística que llevan adelante, entre otros, autores como Fred Wilson, Andrea Fraser, Renée Green, Mark Dion o Michael Asher.

La “crítica institucional” contó con el apoyo teórico del concepto de “dispositivo”. De modo urgente y simplista, cabría decir que un dispositivo es aquello por lo que algo adquiere una determinada visibilidad social y cultural, le otorga “figura propia”. Estas figuras las fijan e impulsan “discursos” y “enunciados” que diferencian el arte de otras esferas del saber y el valor, y en su caso concreto le confieren el privilegio de la autonomía (y tal vez de la excepcionalidad). Pero esos discursos y enunciados están vinculados a prácticas solventes concretadas en el valor económico y en el prestigio del Estado y de determinadas fuerzas sociales: sin ellas apenas pueden pensarse instituciones como el museo o la galería, sin las que el arte carecería de visibilidad y difusión, pero también entrañan claras dosis de servidumbre. El “dispositivo” (resumido aquí de modo simplificador, si no simplista) no debe entenderse como mera imposición: lleva consigo una formación de la inteligencia y la sensibilidad, un lento tallado de la subjetividad por el que hacemos nuestras estas líneas de fuerza que mueven el arte y en las que se mueve el arte.
No podemos en un curso desarrollar plenamente esas líneas, pero sí propiciar algunas ideas que puedan servir de fermento crítico. Por ejemplo, cómo el arte se apropia de elementos de las culturas primitivas, desnaturalizándolos, o de qué manera el arte se desliza al mero espectáculo o en qué condiciones la exposición puede dar visibilidad general a iniciativas artísticas hasta entonces recluidas en espacios reducidos. Considerar el arte como “dispositivo” genera evidentemente una crítica, pero también puede hacer consciente de prácticas que quebranten, o al menos debiliten, los discursos vigentes. De todo ello queremos hablar en este curso, undécima edición de Transformaciones, arte y estética desde 1960.

CICUS SEFF · CINEASTAS EN LA UNIVERSIDAD
2017-11-06 10:30 | Facultad de Comunicación, C/ Américo Vespucio, s/n,, Sevilla
ENCUENTROS DE PROTAGONISTAS DEL SEFF CON ALUMNOS DE LA UNIVERSIDAD DE SEVILLA

Lunes 6 de noviembre a las 10.30 horas
Facultad de Comunicación de la Universidad de Sevilla. Aula 2.1 (C/ Américo Vespucio, s/n)

MIGUEL RODRÍGUEZ, ALONSO VALBUENA Y CARLOS RIVERO: VIVIR (Y FILMAR) EN SEVILLA
Una joven generación de cineastas que trabajan en Sevilla (y ex alumnos de la Fcom) toman este año la sección Resistencias: Miguel Rodríguez con La isla, Alonso Valbuena con Se abrirá la tierra y Carlos Rivero con Las cosas. Desde la independencia y la osadía formal, este grupo de cineastas ha construido un discurso propio que ha contado con la complicidad del SEFF en los últimos años, donde se han podido ver sus anteriores obras (es el caso de títulos como El misterio de Aaron y La inmensa nieve, de Carlos Rivero, y Ouroboros, de Rivero y Valbuena). En este encuentro, hablarán de sus modos de producción, inspiraciones y procesos creativos.

Otros encuentros en la US
8 de noviembre · VACLAV KADRNKA: LA CRUZADA DE LOS NIÑOS

En colaboración con

FILMOTECA · CINE SUECO ACTUAL · ETERNAL SUMMER
2017-11-06 20:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Lunes 6 de noviembre

SESIÓN 4
Ciclo: Cine sueco actual

ETERNAL SUMMER (ODÖDLIGA)
(Andreas Öhman, 2015, Suecia, 106 min, V.O.S.E.)

Isaac y Em se conocen durante una noche en Estocolmo. De repente, parece no haber nada más. Isaac quiere a Em. Em tiene ganas de más y ambos se funden en una espiral de risas, sexo, caos y aventuras. Juntos lo dejarán todo embarcándose en un viaje por la carretera a través de los bosques del norte. Lo que comienza como una deliciosa aventura, sin embargo, derivará en un peligroso juego. A partir de entonces, empezarán a tentar la suerte y cometer crímenes cada vez más graves hasta llegar a un punto de no retorno. (FILMAFFINITY)

En colaboración con

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SEFF 2017 · SEMINARIO · HISTORIAS E INERCIAS DEL CINE ESPAÑOL
2017-11-07 10:30 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
SEFF 2017 · SEMINARIO · HISTORIAS E INERCIAS DEL CINE ESPAÑOL

El seminario «Historias e inercias del cine español» se presenta con la intención de acercar las tendencias más heterodoxas del cine español a la Universidad. A través de un diálogo entre directores/as, docentes, estudiantes universitarios y público general, estas jornadas permiten explorar nuevas líneas de interpretación sobre el audiovisual contemporáneo en el Estado español desde una perspectiva de revisión y proyección históricas.

7 de noviembre · Mesa Redonda – Encuentro · 10:30h

Con la presencia de Mónica Rovira, Manuel Muñoz, Kikol Grau y Luis Parés.

En colaboración con

CONFERENCIAS · UNIVERSIDAD Y CULTURA EN EUROPA: CHARLAS, CONVERSACIONES, OTRAS MESAS DE DISCUSIÓN
2017-11-07 19:30 | CICUS, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Programa e Inscripción AQUÍ

7 de Noviembre, 19,30h

Enric Mira (Universidad de Alicante)
Cristina Guirao (Universidad de Murcia)

“La idea de universidad en el arte contemporáneo: de la crítica de la institución a la crítica de la educación”
Enric Mira
Mientras que la deconstrucción del concepto de educación en general y sus modelos hegemónicos han estado presentes en planteamientos críticos del arte social y político desde la década de los 60 y 70 del siglo XX, la reflexión en torno a la educación superior ha sido puntual y más bien rara. En la presente conferencia hacemos una selección de autores y obras de arte contemporáneo que, bien de una manera explícita o a través de un aproximación tangencial, abordan algún tipo de planteamiento en torno a la idea de universidad –desde la matriz humboltiana al nuevo paradigma mercantilista– examinando críticamente su rol como institución académica en el fomento del conocimiento y la investigación así como en las limitaciones y posibilidades de sus procesos educativos.

CURRICULUM VITAE

Enric Mira Pastor, doctor en Filosofía y CC. de la Educación por la Universidad de Valencia, Profesor Titular de la Universidad de Alicante y Director del Departamento de Comunicación y Psicología Social. Es miembro de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte y de la Asociación Internacional de Críticos de Arte. En 1994 recibió el VI Premi Espais de la Crítica d’Art. Es autor de los libros La vanguardia fotográfica de los años setenta en España (1991), Alcalácanales. El lenguaje artístico de la electrografía (2000) y Ana Teresa Ortega. Foto-esculturas e instalaciones (2006). Ha ejercido como comisario de exposiciones y ha escrito artículos sobre teoría e historia de la fotografía para diferentes medios especializados, así como textos para catálogos de exposiciones individuales y colectivas de artistas y fotógrafos españoles. También es autor de capítulos en los libros Mercancía y espectáculo: una perspectiva teórica sobre las artes plásticas como industria cultural (2009), Instantáneas de la teoría de la fotografía (2009), La polémica sobre la cultura de masas. Una antología crítica en el periodo de entreguerras (2012), Metodologías comparatistas y literatura comparada (2012), Precedentes de las poéticas de la globalización desde el contexto artístico valenciano (2014) y Alicante se rueda. 1902-2014 (2016). Recientemente ha sido coordinador de un número monográfico de la revista Concreta. Sobre creación y teoría de la imagen (2016). En la actualidad es profesor en el Máster Universitario en Fotografía: Arte y Técnica de la Universidad Politécnica de Valencia, y en el Máster Universitario en Comunicación e Industrias Creativas de la Universidad de Alicante.

Cristina Guirao Mirón
“Más allá de las ruinas: perspectivas posthumanas para la Universidad del conocimiento”
Más allá de Bill Reading y de su interpretación de una Universidad en ruinas hay un paisaje posthumano que entiende el conocimiento y su construcción no en términos hegemónicos ni territoriales, siguiendo el paralelismo de Universidad y Estado Nación, sino en términos de globalidad, multiversidad y construcción de procesos de conocimiento colaborativos, social y medioambientalmente sostenibles. Bajo el paradigma de lo que R. Braidotti (2015) y otros autores llaman posthumanismo, es posible construir un relato sobre la humanidad y el conocimiento que no gire en torno a la producción del mismo para el mercado, Capitalismo Académico, ni que comprenda el saber y la producción de técnicas y tecnologías en términos únicamente antropocéntricos.
CURRICULUM VITAE

Cristina Guirao Mirón, Profesora de Sociología en el departamento de Sociología de la Universidad de Murcia. Catedrática de filosofía en EE.SS., en excedencia, Ha sido profesora asociada en la Universidad de Alicante (años 2003 a 2005), donde fue Premio extraordinario de doctorado con una tesis sobre Conciliación Vida Familiar y laboral. De 2007 al 2012 trabajó en el equipo de investigación sobre temas de género, COSOCO Miembro de la Red Genet de estudios de género del CSIC. Ha publicado varios libros de sociología y diversos artículos sobre conciliación vida laboral y familiar. Actualmente, desarrolla una línea de investigación relacionada con la nuevas formas de producción cultural. Es profesora en el Master propio en Internacionalización y Cooperación en la Gestión del Sector Cultural y Creativo en la Universidad Complutense de Madrid. Directora del Curso del Especialista Universitario en Gestión Cultural y Economía de la Cultura (años 2015 a 2017) y directora del I Master en Gestión Cultural de la Universidad de Murcia. Ha dirigido el seminario Pensamiento y Cultura y el área de Debate, Pensamiento y Compromiso social en el Vicerrectorado de Comunicación y Cultura de la Universidad de Murcia hasta 2017. En la actualidad coordina el área de Cultura de la Universidad de Murcia.

ABOUT ACADEMIA
Durante el último periodo de docencia de Antoni Muntadas en el programa Art, Culture and Technology (ACT), perteneciente al Massachusetts Institute of Technology, la Universidad de Harvard le solicitó un nuevo proyecto para presentar en el Carpenter Center for the Visual Arts. Fue la ocasión para que Muntadas se planteara evaluar los diferentes estados de la educación y sus instituciones.
About Academia, propone una reflexión sobre el sistema académico y universitario estadounidense, y más concretamente sobre cómo la dualidad público/privado, así como las complejas relaciones que se dan entre la producción de conocimiento e intereses económicos han influido en la educación y en sus diferentes formas de pedagogía. Tiene como resultado dos instalaciones que se complementan con dos publicaciones.
Para que tenga sentido este proyecto cuando se expone en universidades no estadounidenses, Muntadas propone una serie de debates que contextualicen los conflictos y dificultades por los que atraviesan el sistema universitario que la acoge. Por ello en el espacio CICUS, se producirán mesas de trabajo con profesores de diferentes Universidades españolas y europeas, encuentros, conversaciones, sesiones, de forma que la sala donde se muestra el proyecto se piense como espacio de trabajo y no solo como espacio de exhibición.

TRANSFORMACIONES XI · ARTE Y ESTÉTICA DESDE 1960 · EN TORNO A LA IDEA DE DISPOSITIVO
2017-11-08 19:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Transformaciones: Arte y Estética desde 1960 / XI Edición. En torno a la idea de dispositivo
MÁS INFORMACIÓN E INSCRIPCIÓN AQUÍ

ESPECIES DE ESPACIOS
FREDERIC MONTORNÉS – Comisario. Artista
REGINA DE MIGUEL – Artista
Contenidos
¿Sobre qué entramado descansa el arte? ¿Qué actividades lo alimentan? ¿Qué instituciones lo preservan? ¿A qué precio? Estas son algunas de las preguntas que corren a lo largo del arte moderno, a veces bajo los silenciosos rasgos de la ironía, en otras ocasiones con el calor de la protesta y otras con acciones de rechazo. En torno a 1992 se abre una vía más sistemática y menos patética que se esfuerza en el análisis de los diversos medios en los que se produce y reproduce el arte: el museo, la exposición, la colección, el mercado, la crítica, la historia y teoría del arte. Esta vía, llamada “crítica institucional”, se convierte desde entonces en reflexión sobre el arte y en práctica artística que llevan adelante, entre otros, autores como Fred Wilson, Andrea Fraser, Renée Green, Mark Dion o Michael Asher.

La “crítica institucional” contó con el apoyo teórico del concepto de “dispositivo”. De modo urgente y simplista, cabría decir que un dispositivo es aquello por lo que algo adquiere una determinada visibilidad social y cultural, le otorga “figura propia”. Estas figuras las fijan e impulsan “discursos” y “enunciados” que diferencian el arte de otras esferas del saber y el valor, y en su caso concreto le confieren el privilegio de la autonomía (y tal vez de la excepcionalidad). Pero esos discursos y enunciados están vinculados a prácticas solventes concretadas en el valor económico y en el prestigio del Estado y de determinadas fuerzas sociales: sin ellas apenas pueden pensarse instituciones como el museo o la galería, sin las que el arte carecería de visibilidad y difusión, pero también entrañan claras dosis de servidumbre. El “dispositivo” (resumido aquí de modo simplificador, si no simplista) no debe entenderse como mera imposición: lleva consigo una formación de la inteligencia y la sensibilidad, un lento tallado de la subjetividad por el que hacemos nuestras estas líneas de fuerza que mueven el arte y en las que se mueve el arte.
No podemos en un curso desarrollar plenamente esas líneas, pero sí propiciar algunas ideas que puedan servir de fermento crítico. Por ejemplo, cómo el arte se apropia de elementos de las culturas primitivas, desnaturalizándolos, o de qué manera el arte se desliza al mero espectáculo o en qué condiciones la exposición puede dar visibilidad general a iniciativas artísticas hasta entonces recluidas en espacios reducidos. Considerar el arte como “dispositivo” genera evidentemente una crítica, pero también puede hacer consciente de prácticas que quebranten, o al menos debiliten, los discursos vigentes. De todo ello queremos hablar en este curso, undécima edición de Transformaciones, arte y estética desde 1960.

CICUS SEFF · CINEASTAS EN LA UNIVERSIDAD
2017-11-08 19:00 | Facultad de Historia, Universidad de Sevilla, Calle Doña María de Padilla, s/n,, Sevilla
ENCUENTROS DE PROTAGONISTAS DEL SEFF CON ALUMNOS DE LA UNIVERSIDAD DE SEVILLA

Miércoles 8 de noviembre a las 19 h.
Facultad de Historia de la Universidad de Sevilla. Aula V (Calle Doña María de Padilla, s/n)

VACLAV KADRNKA: LA CRUZADA DE LOS NIÑOS
El director checo Vaclav Kadrnka presenta en la Sección Oficial del festival su película The Little Crusader, que viene de ganar el Premio a la Mejor Película en el festival Karlovy Vary, referente de los cines del Este. The Little Crusader es una adaptación de un poema épico sobre La Cruzada de los Niños, ocho acontecimientos sucedidos en 1212 tras la Cuarta Cruzada, y cuyo recuento histórico abarca ficción y realidad. No es la primera vez que su cine recoge un acontecimiento histórico: su brillante debut Eighty Letters se componía de sus recuer- dos de la infancia en los últimos años de la Checoslovaquia socialista.

Otros encuentros en la US:
6 de noviembre · MIGUEL RODRÍGUEZ, ALONSO VALBUENA Y CARLOS RIVERO: VIVIR (Y FILMAR) EN SEVILLA

En colaboración con

CONFERENCIAS · UNIVERSIDAD Y CULTURA EN EUROPA: CHARLAS, CONVERSACIONES, OTRAS MESAS DE DISCUSIÓN
2017-11-09 19:30 | CICUS, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
ABOUT ACADEMIA · CONFERENCIAS

Programa e Inscripción AQUÍ

UNIVERSIDAD Y CULTURA EN EUROPA: CHARLAS, CONVERSACIONES, OTRAS MESAS DE DISCUSIÓN

9 de Noviembre, 19,30h

Elvira Dyangani (Goldsmiths, Creative Time y Fondazione Prada)

Durante el último periodo de docencia de Antoni Muntadas en el programa Art, Culture and Technology (ACT), perteneciente al Massachusetts Institute of Technology, la Universidad de Harvard le solicitó un nuevo proyecto para presentar en el Carpenter Center for the Visual Arts. Fue la ocasión para que Muntadas se planteara evaluar los diferentes estados de la educación y sus instituciones.
About Academia, propone una reflexión sobre el sistema académico y universitario estadounidense, y más concretamente sobre cómo la dualidad público/privado, así como las complejas relaciones que se dan entre la producción de conocimiento e intereses económicos han influido en la educación y en sus diferentes formas de pedagogía. Tiene como resultado dos instalaciones que se complementan con dos publicaciones.
Para que tenga sentido este proyecto cuando se expone en universidades no estadounidenses, Muntadas propone una serie de debates que contextualicen los conflictos y dificultades por los que atraviesan el sistema universitario que la acoge. Por ello en el espacio CICUS, se producirán mesas de trabajo con profesores de diferentes Universidades españolas y europeas, encuentros, conversaciones, sesiones, de forma que la sala donde se muestra el proyecto se piense como espacio de trabajo y no solo como espacio de exhibición.

TAKARABUNE · DANZA JAPONESA · AWA ODORI
2017-11-09 20:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Fecha y hora: Jueves, 9 de noviembre, 20h
Lugar: Sala CICUS de la Universidad de Sevilla (Calle Madre de Dios, 1, 41004 Sevilla)
Entrada libre hasta completar el aforo.

Takarabune
En 1995, Akira Yonezawa, director de la agrupación, y originario de la prefectura de Tokushima, tomó la iniciativa de fundar la compañía Takarabune en Tokio. Su objetivo es desafiar la tradición de la danza Awa Odori y mostrar una visión moderna de la misma.
En 2012 la compañía se convirtió en el primer grupo japonés profesional de Awa Odori. En 2014 realizó su primer tour mundial. Su popularidad les ha llevado a realizar aproximadamente 250 representaciones al año. En tan solo cuatro años Takarabune ha desarrollado sus actividades en dieciocho ciudades de todo el mundo, repetidas representaciones en la Japan Expo de Paris y varios espectáculos en Nueva York. En 2017 tiene previsto una gira internacional por trece ciudades en ocho países.
La compañía también participa en numerosos programas y anuncios de televisión y ha sido invitada a varios eventos y festivales en los últimos años. Por otro lado ha ampliado su campo actividad colaborando con los otros artistas como el conocido DJ DAISHI DANCE.

Nombre del concierto : Actuación de la danza Awa Odori
Nombre de grupo: TAKARABUNE
Instrumentos que tocan: Kane(Campana de mano), Fue(Flauta) y Taiko(Tambor)

+INFO

Organiza

CONFERENCIAS · ACADEMIA EUROPEA
2017-11-10 19:30 | CICUS, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
ABOUT ACADEMIA · CONFERENCIAS

Programa e Inscripción AQUÍ

ACADEMIA EUROPEA
10 de noviembre de 2017, 19,30h

Mari Paz Balibrea (Profesora del
Department of Cultures and Languages
Birkbeck, University of London);

Laurence Rassel (Directora de la
École de Recherche Graphique.
École Supérieur des Arts. Bruxelles).

Alexander García Düttmann
(Catedrático de Philosophische
Ästhetik, Kunstphilosophie,
Kulturtheorie, Kunsttheorie, Institut
für Kunstwissenschaft und Ästhetik,
Universität der Künste, Berlin).

Durante el último periodo de docencia de Antoni Muntadas en el programa Art, Culture and Technology (ACT), perteneciente al Massachusetts Institute of Technology, la Universidad de Harvard le solicitó un nuevo proyecto para presentar en el Carpenter Center for the Visual Arts. Fue la ocasión para que Muntadas se planteara evaluar los diferentes estados de la educación y sus instituciones.
About Academia, propone una reflexión sobre el sistema académico y universitario estadounidense, y más concretamente sobre cómo la dualidad público/privado, así como las complejas relaciones que se dan entre la producción de conocimiento e intereses económicos han influido en la educación y en sus diferentes formas de pedagogía. Tiene como resultado dos instalaciones que se complementan con dos publicaciones.
Para que tenga sentido este proyecto cuando se expone en universidades no estadounidenses, Muntadas propone una serie de debates que contextualicen los conflictos y dificultades por los que atraviesan el sistema universitario que la acoge. Por ello en el espacio CICUS, se producirán mesas de trabajo con profesores de diferentes Universidades españolas y europeas, encuentros, conversaciones, sesiones, de forma que la sala donde se muestra el proyecto se piense como espacio de trabajo y no solo como espacio de exhibición.

JUAN TAMARIZ · LA MAGIA DEL CINE · CHARLA Y PROYECCIÓN
2017-11-10 20:00 | Sevilla
Viernes 10 de noviembre
20h · Auditorio Cicus
Entrada libre con invitación (desde 1 hora antes en la conserjería del Cicus)
El próximo viernes 10 de noviembre, a las 20:00, en el auditorio del CICUS, contaremos con la presencia estelar del gran mago de fama mundial Juan Tamariz, con quien charlaremos sobre su poco conocida carrera como cineasta.
Foto: Sonia Fraga para Jotdown
Durante el acto se proyectará uno de sus proyectos cinematográficos más personales, un excelente documental sobre magia, prácticamente inédito, que Tamariz dirigió a principios de la década de 1980 con la ayuda del crítico de arte Quico Rivas. Se trata de una obra de gran interés no solo artístico sino histórico, pues por ella pululan figuras de reconocido prestigio dentro de la magia, una obra que el CICUS rescata del olvido en primicia.
Tras la proyección, contaremos con la presencia de Eva Rivas, hija del fallecido crítico de arte y agitador cultural que tanto hizo por modernizar la ciudad de Sevilla a principios de la década de 1970, con quien Tamariz conversará sobre la amistad que mantuvo con Quico Rivas en aquel excitante Madrid de la movida.

Modera el acto el periodista Fran G. Matute.

DE MAGIA
(Juan Tamariz, 1980, España, 29 min)
Director: Juan Tamariz
Guión: Juan Tamariz y Quico Rivas
Voz en off: Juan Tamariz
Intérpretes: Rafael Álvarez, «El Brujo» (con apariciones estelares de los magos Juan Tamariz, José Frakson, Juan Antón, entre otros)
Duración: 29 minutos
Año: c. 1980

FANCINE · CORTOMETRAJES SECCIÓN A CONCURSO · ANIMACIÓN
2017-11-13 19:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Lunes 13 de noviembre
19h Cortos Animación · 96 min

Cavalls Morts
(Marc Riba, Anna Solanas, 2016, España, 6 min)
Fierce
(Izu Troin, 2017, Francia, 15 min)
Gamer Girl
(Irena Jukić Pranjić, 2016, Croacia, 10 min)
iRony
(Radheya Jegatheva, Australia, 2017, 8 min)
Overrun
(Pierre Ropars, Antonin Derory, Diane Thirault, Jérémie Cottard, Matthieu Druaud, Adrien Zumbihl, Francia, 2017, 8 min)
The Night I Dance with Death
(Vincent Gibaud, Francia, 2017, 6 min)
The Servant
(Farnoosh Abedi, Irán, 2017, 9 min)
Twice Upon a Time
(Vojin Vasovic, Serbia, 2017, 14 min)
Wishing Box
(Wenli Zhang, Nan Li, Estados Unidos, 2017, 6 min)
Black Holes
(David Nicolas, Laurent Nicolas, Kevin Van Der Meiren, Estados Unidos, 2017, 12 min)

En colaboración con

FANCINE · CORTOMETRAJES SECCIÓN A CONCURSO · IMAGEN REAL
2017-11-14 19:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Martes 14 de noviembre
19h Cortos Imagen Real · 115 min

A fathers day
(Mat Johns, Reino Unido, 2016, 10 min)
Basura
(Juan Silva, España, 2016, 5 min)
Cautionary Tales
(Chris Barrett, Luke Taylor, Reino Unido, 2016, 8 min)
Downunder
(Fernando González Gómez, España, 2017, 15 min)
El andar del borracho
(Pol Armengol, España, 2016, 15 min)
Exchange
(Yuan Yuan, China, 2016, 14 min)
Meat and potatoes
(Arielle Thomas, Ellenor Argyropoulos, Australia, 2016, 7 min)
Ringo
(Adrià Pagès, España, 2016, 13 min)
The tunnel
(André Øvredal, Noruega, 2016, 12 min)
Timelapse
(Aleix Castro, España, 2016, 10 min)

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SEFF 2017 · SEMINARIO · HISTORIAS E INERCIAS DEL CINE ESPAÑOL
2017-11-15 10:30 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
SEFF 2017 · SEMINARIO · HISTORIAS E INERCIAS DEL CINE ESPAÑOL

El seminario «Historias e inercias del cine español» se presenta con la intención de acercar las tendencias más heterodoxas del cine español a la Universidad. A través de un diálogo entre directores/as, docentes, estudiantes universitarios y público general, estas jornadas permiten explorar nuevas líneas de interpretación sobre el audiovisual contemporáneo en el Estado español desde una perspectiva de revisión y proyección históricas.

15 de noviembre · Clausura · 10:30h

Sergio Cobo
Samuel Fernández
Alberto Hermida

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TRANSFORMACIONES XI · ARTE Y ESTÉTICA DESDE 1960 · EN TORNO A LA IDEA DE DISPOSITIVO
2017-11-15 19:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Transformaciones: Arte y Estética desde 1960 / XI Edición. En torno a la idea de dispositivo
MÁS INFORMACIÓN E INSCRIPCIÓN AQUÍ

EL GIRO ETNOGRÁFICO
MARÍA ÍÑIGO CLAVO – Curadora. Artista.
SANDRA GAMARRA HESHIKI – Artista.
Contenidos
¿Sobre qué entramado descansa el arte? ¿Qué actividades lo alimentan? ¿Qué instituciones lo preservan? ¿A qué precio? Estas son algunas de las preguntas que corren a lo largo del arte moderno, a veces bajo los silenciosos rasgos de la ironía, en otras ocasiones con el calor de la protesta y otras con acciones de rechazo. En torno a 1992 se abre una vía más sistemática y menos patética que se esfuerza en el análisis de los diversos medios en los que se produce y reproduce el arte: el museo, la exposición, la colección, el mercado, la crítica, la historia y teoría del arte. Esta vía, llamada “crítica institucional”, se convierte desde entonces en reflexión sobre el arte y en práctica artística que llevan adelante, entre otros, autores como Fred Wilson, Andrea Fraser, Renée Green, Mark Dion o Michael Asher.

La “crítica institucional” contó con el apoyo teórico del concepto de “dispositivo”. De modo urgente y simplista, cabría decir que un dispositivo es aquello por lo que algo adquiere una determinada visibilidad social y cultural, le otorga “figura propia”. Estas figuras las fijan e impulsan “discursos” y “enunciados” que diferencian el arte de otras esferas del saber y el valor, y en su caso concreto le confieren el privilegio de la autonomía (y tal vez de la excepcionalidad). Pero esos discursos y enunciados están vinculados a prácticas solventes concretadas en el valor económico y en el prestigio del Estado y de determinadas fuerzas sociales: sin ellas apenas pueden pensarse instituciones como el museo o la galería, sin las que el arte carecería de visibilidad y difusión, pero también entrañan claras dosis de servidumbre. El “dispositivo” (resumido aquí de modo simplificador, si no simplista) no debe entenderse como mera imposición: lleva consigo una formación de la inteligencia y la sensibilidad, un lento tallado de la subjetividad por el que hacemos nuestras estas líneas de fuerza que mueven el arte y en las que se mueve el arte.
No podemos en un curso desarrollar plenamente esas líneas, pero sí propiciar algunas ideas que puedan servir de fermento crítico. Por ejemplo, cómo el arte se apropia de elementos de las culturas primitivas, desnaturalizándolos, o de qué manera el arte se desliza al mero espectáculo o en qué condiciones la exposición puede dar visibilidad general a iniciativas artísticas hasta entonces recluidas en espacios reducidos. Considerar el arte como “dispositivo” genera evidentemente una crítica, pero también puede hacer consciente de prácticas que quebranten, o al menos debiliten, los discursos vigentes. De todo ello queremos hablar en este curso, undécima edición de Transformaciones, arte y estética desde 1960.

FILMOTECA · GENERACIÓN DEL 27: POETAS MARCADOS POR EL CINE · NINOTCHKA
2017-11-20 20:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Lunes 20 de noviembre
SESIÓN 5
Ciclo: Generación del 27: Poetas marcados por el cine

NINOTCHKA
(Ernst Lubitsch, EE.UU.,1939, 110 min, V.O.S.E.)

Los camaradas Iranoff, Buljanoff y Kopalski han sido enviados a París para obtener dinero para el Gobierno ruso mediante la venta de las joyas confiscadas a la gran duquesa Swana, que vive en la capital francesa. Los tres camaradas se instalan en un hotel de lujo mientras los tribunales franceses deciden quién es el verdadero propietario de las joyas. El Gobierno ruso envía a Nina ‘Ninotchka’ Ivanovna Yakushova a arreglar las cosas. (FILMAFFINITY)

Actividad Paralela de la Exposición MINERVAS DEL 27. LAS REVISTAS DE UNA GENERACIÓN

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EXPOSICIÓN · EL AFORISMO ILUSTRADO
2017-11-21 11:00 - 20:00 | CICUS · Sala MDD, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
EL AFORISMO ILUSTRADO
Del 21 de noviembre al 25 de enero
SALA MDD
Horario: De lunes a viernes de 11 a 20 h. Sábados y Festivos cerrado.

La exposición EL AFORISMO ILUSTRADO recoge una selección de algunos de los pintores españoles más relevantes de la actualidad. Desde el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS) hemos querido que sus obras, que se acercan de una manera tan personal a lo imaginativo y conceptual, dialoguen con unos cuantos aforismos escogidos de entre lo mucho publicado en estos últimos años en España. El resultado es una exposición llena de matices y sugerencias. Una oportunidad única para transitar por los nuevos rumbos de la pintura española y contemplar, por primera vez en Sevilla, las obras de algunos de los nombres más representativos del momento.

Artistas invitados Aforismo de

Calo Carratalá José Ángel Cilleruelo
Curro González Erika Martínez
Chema Cobo Chema Cobo
Chema Peralta Javier Almuzara
Dis Berlín Felipe Benítez Reyes
Elena Goñi Carlos Marzal
José Miguel Periñíguez Victoria León
Juan Ángel González de la Calle Ramón Eder
Juan Carlos Lázaro Antonio Rivero Taravillo
Marcelo Fuentes Ana Pérez Cañamares
Miguel Galano Dionisia García
Pedro Serna Jordi Doce

Comisario: José Mateos

CHARLA · LA IMAGEN JUSTA: GESTO, EMOCIÓN Y POLÍTICA DE LAS IMÁGENES EN GEORGES DIDI-HUBERMAN
2017-11-21 19:30 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
La obra del filósofo e historiador del arte Georges Didi-Huberman se ha convertido en las últimas décadas en una de las más poderosas invitaciones a repensar el modo en que enfrentamos las imágenes, su carácter sintomático y su modo de vehicular gestos y emociones. Aproximarse a ella supone no sólo sumergirse en una profunda transformación de las estrategias tradicionales de la Historia del Arte, sino también en un modo de articular la emergencia de imágenes y gestos más allá de las intensidades flotantes con que la postmodernidad da la espalda al espacio de la praxis. Con mtivo de la aparición de un número monográfico de la revista Anthropos sobre dicha obra («Georges Didi-Huberman: imágenes, historia, pensamiento»), Gabriel Cabello, Jordi Massó y Pedro G. Romero hablarán sobre sus diversas inflexiones, vertebradas en torno a la historia del arte y la estética, pero también al cine o al flamenco, y sobre el proyecto de política de las imágenes que la anima».

BREVERÍAS · JORNADAS SOBRE EL AFORISMO EN ESPAÑA
2017-11-22 18:30 - 2017-11-24 19:30 | Sevilla
Los aforismos son una manera de quitarle a la literatura todo lo que le sobra, su hojarasca y su retórica. Un buen aforismo es una píldora de sabiduría, de emoción o de humor.
Hoy se publican más libros de aforismos que nunca y se crean editoriales y colecciones exclusivas para ellos. Se cuelgan en blogs, se usan en publicidad y se pintan en las paredes. E incluso muchos jóvenes que ignoran lo que es un aforismo los comparten desde sus teléfonos móviles.

Con estas jornadas pretendemos abrir un espacio para la reflexión sobre el aforismo, ese género literario que nos ha acompañado desde los albores de nuestra civilización y que en nuestro tiempo, con el auge de las nuevas tecnologías y de la comunicación urgente – tweets, hashtag, wasaps, etc. – está adquiriendo un protagonismo que, desde el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS), queremos analizar y debatir.

Ramón Gómez de la Serna en su estudio en Madrid, antes de la Guerra Civil. Fuente: Blog En Lengua Propia

DÍA 22 DE NOVIEMBRE
Hora: 18,30 h.
EL AFORISMO EN LA LITERATURA ESPAÑOLA
Conferencia de ANDRÉS TRAPIELLO

DÍA 23 DE NOVIEMBRE
Hora: 19,30 h
-Mesa redonda:
EL AFORISMO: ENTRE LA POESÍA Y El PENSAMIENTO
Intervienen: Lorenzo Oliván y José Mateos
Modera: XX

DÍA 24 DE NOVIEMBRE
Hora: 19,30 h
-Mesa redonda:
El AFORISMO: ENTRE LA POESÍA Y EL HUMOR
Intervienen: Javier Salvago y Enrique García-Máiquez
Modera: José Mateos

TRANSFORMACIONES XI · ARTE Y ESTÉTICA DESDE 1960 · EN TORNO A LA IDEA DE DISPOSITIVO
2017-11-22 19:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Transformaciones: Arte y Estética desde 1960 / XI Edición. En torno a la idea de dispositivo
MÁS INFORMACIÓN E INSCRIPCIÓN AQUÍ

CRÍTICA INSTITUCIONAL
PEIO AGUIRRE – Crítico de Arte. Comisario. Editor.
CRISTINA GARRIDO – Artista.
Contenidos
¿Sobre qué entramado descansa el arte? ¿Qué actividades lo alimentan? ¿Qué instituciones lo preservan? ¿A qué precio? Estas son algunas de las preguntas que corren a lo largo del arte moderno, a veces bajo los silenciosos rasgos de la ironía, en otras ocasiones con el calor de la protesta y otras con acciones de rechazo. En torno a 1992 se abre una vía más sistemática y menos patética que se esfuerza en el análisis de los diversos medios en los que se produce y reproduce el arte: el museo, la exposición, la colección, el mercado, la crítica, la historia y teoría del arte. Esta vía, llamada “crítica institucional”, se convierte desde entonces en reflexión sobre el arte y en práctica artística que llevan adelante, entre otros, autores como Fred Wilson, Andrea Fraser, Renée Green, Mark Dion o Michael Asher.

La “crítica institucional” contó con el apoyo teórico del concepto de “dispositivo”. De modo urgente y simplista, cabría decir que un dispositivo es aquello por lo que algo adquiere una determinada visibilidad social y cultural, le otorga “figura propia”. Estas figuras las fijan e impulsan “discursos” y “enunciados” que diferencian el arte de otras esferas del saber y el valor, y en su caso concreto le confieren el privilegio de la autonomía (y tal vez de la excepcionalidad). Pero esos discursos y enunciados están vinculados a prácticas solventes concretadas en el valor económico y en el prestigio del Estado y de determinadas fuerzas sociales: sin ellas apenas pueden pensarse instituciones como el museo o la galería, sin las que el arte carecería de visibilidad y difusión, pero también entrañan claras dosis de servidumbre. El “dispositivo” (resumido aquí de modo simplificador, si no simplista) no debe entenderse como mera imposición: lleva consigo una formación de la inteligencia y la sensibilidad, un lento tallado de la subjetividad por el que hacemos nuestras estas líneas de fuerza que mueven el arte y en las que se mueve el arte.
No podemos en un curso desarrollar plenamente esas líneas, pero sí propiciar algunas ideas que puedan servir de fermento crítico. Por ejemplo, cómo el arte se apropia de elementos de las culturas primitivas, desnaturalizándolos, o de qué manera el arte se desliza al mero espectáculo o en qué condiciones la exposición puede dar visibilidad general a iniciativas artísticas hasta entonces recluidas en espacios reducidos. Considerar el arte como “dispositivo” genera evidentemente una crítica, pero también puede hacer consciente de prácticas que quebranten, o al menos debiliten, los discursos vigentes. De todo ello queremos hablar en este curso, undécima edición de Transformaciones, arte y estética desde 1960.

ENCUENTRO CON DÉNES FARKAS
2017-11-23 19:00 - 21:00 | CICUS · Sala Casajús, c/Madre de Dios 1, Sevilla, 41004, España
Entrada libre hasta completar aforo
Encuentro con el artista Dénes Farkas en el que se hablará sobre las claves de su trabajo, su próxima exposición “La noche vuelve a ser noche” en la galería Alarcón Criado y su reciente muestra individual en el Contemporary Art Museum of Estonia (EKKM), titulada “ How-to-calm-yourself-after-seeing-a-dead-body Techniques” con curaduría de Ingrid Ruudi.

Dénes Farkas. How to calm yourself after seeing a dead body Techniques, 2017. Exhibition view, EKKM (Tallin)

ESTRENATE 2017 · Cía. MEINHOF - GERMAIN · RELINCHO
2017-11-24 20:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Precio de las entradas: 5€ entrada general y 3€ Comunidad universitaria de la Universidad de Sevilla
Lugar: Auditorio CICUS
Hora: a las 20:00 horas
Venta de entradas el día de la función desde las 18:00 en el CICUS, C/ Madre de Dios, nº 1.

24 noviembre 2017. “RELINCHO”. Cía: MEINHOF-GERMAIN

Sobre la Compañía

MEINHOF-GERMAIN nace en Berlín, Alemania, en 2015, fruto de la colaboración entre dos artistas independientes, Carmen Meinhof y Valeria Germain.
Desde 2011 han trabajado conjuntamente con otros artistas, siendo “Relincho” su primera producción como tándem. Meinhof-Germain componen a partir de la mezcla de lenguajes como la danza, el teatro físico y de texto y la improvisación. Sus investigaciones se centran en temas como la memoria y los conflictos de género, plasmados con un estilo documental.
Carmen Meinhof / España, 1979. Es licenciada en Coreografía y Técnicas de Danza Contemporánea. Su trabajo se nutre de la fusión de distintas técnicas como el Butoh o el Bharata Natyam (danza clásica india). Sus investigaciones se ubican donde se produce la fricción entre las fronteras, ya sean físicas o mentales y donde la vulnerabilidad que implica tener un cuerpo se hace latente.
Cofundadora del colectivo de artes escénicas 77 Stolen Fish, Berlín.
Ha colaborado como creadora e intérprete con Johanna Devi Dance Company, Berlín, Cía. Entera-Paulina Tovo, Berlín, Aernout Mik, Theater der Migranten, etc. En 2013 recibe el premio a la mejor intérprete femenina en el Festival Internacional de Teatro de Erbil, Kurdistán, Iraq.
Entre 2014-2017 trabaja como intérprete en Woyzeck de Leander Haussmann producida por el Berliner Ensemble, Berlín.

Valeria Germain/ Chile, 1979. Es actriz, directora artística y profesora de Teatro para adultos y niños. La mixtura de lenguajes, el tiempo presente, la verdad escénica, realidad y memoria son temas que la mueven como artista y en el último tiempo ha investigado en técnicas de improvisación, con el fin de encontrar el momento en que teatro y performance se potencian.
Desde el año 2011 reside en Berlín, donde realiza una práctica como asistente de dirección para René Pollesch en la obra “Kill you Darlings, streets of Berladelphia” en el Teatro Volksbühne Berlín y asiste en diversas producciones del grupo de performance Gob Squad. Fue miembro fundadora del colectivo de performance 77 Stolen Fish, donde trabajó como performer, productora y directora artística. En 2010 funda el colectivo de Performance Pink Valley, con el cual desarrolla proyectos artísticos en la actualidad y en colaboración con diversos artistas.

Sobre la obra

Relincho es una performance documental sobre el deseo sexual y la identidad. Cual Orlado de extrarradio me transformo, en hombre, en mujer y en criatura de mi subconsciente y transito con humor, los traumas y los tabúes de mi genealogía y mi historia personal. Freud, las aventuras sexuales de mi abuela y los monstruos de la razón pura se dan cita en esta comedia que honra las hieles-mieles de lo cotidiano. El cuerpo de mujer como objeto y sujeto del deseo es el elemento esencial de esta performance. Consecuentemente el espacio escénico se reduce al mínimo con la intención de resaltar el contenido y la acción performativa que lo transforma.
La intimidad del texto vinculada a la vulnerabilidad del cuerpo en escena, contrasta con un espacio escénico blanco y aséptico, que contribuye a crear extrañamiento reforzando la fricción entre lo privado y lo político.
La acción dramática se construye a través de una sucesión de imágenes oníricas intercaladas con otras de carácter documental, además de vídeo y animación. Tanto a nivel temático como escénico, el recorrido se inicia en la oscuridad y se desarrolla hacia las luces, como una fotosíntesis para el alma de la protagonista. La incomodidad y la angustia iniciales se van transformando en sensaciones más livianas y relajadas. El peso de las convenciones sociales y lo normativo se disuelven en una celebración de lo instintivo y lo animal en el ser humano, como vía de escape de un mundo cada vez más impersonal y opresivo.

Ficha artística y técnica:

Texto e interpretación: Carmen Meinhof
Dirección: Valeria Germain
Diseño y animación: Oscar Martín
Foto: Ana F. Furelos
Música: Varios autores
Actores vídeo: Julia Meztger y Tomeu Blanch
Escenografía: Meinhof-Germain
Producción: Meinhof-Germain
Duración: 50 minutos

TEASER https://vimeo.com/219001274
CARMEN MEINHOF WEB www.carmenmeinhof.com
VALERIA GERMAIN WEB http://www.pinkvalley.de/

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FILMOTECA · GENERACIÓN DEL 27: POETAS MARCADOS POR EL CINE · EL TESTAMENTO DEL DR. MABUSE
2017-11-27 20:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Lunes 27 de noviembre

SESIÓN 6
Ciclo: GENERACIÓN DEL 27: POETAS MARCADOS POR EL CINE

EL TESTAMENTO DEL DR. MABUSE
(Fritz Lang, 1933, Alemania, 122 min, V.O.S.E.)

Al inspector Lohmann lo llama por teléfono un antiguo miembro del Departamento de Policía para denunciar un caso de falsificación. Sin embargo, antes de que pueda testificar y revelar los detalles del delito, se vuelve loco a causa de un atentado. Las investigaciones de Lohmann en seguida lo conducen hasta el doctor Mabuse, pero el famoso criminal hace años que está recluido en una clínica mental, cuyo director, el doctor Baum, es un eminente psiquiatra que se ha dejado fascinar por el genio de Mabuse y por su legado: una especie de testamento donde describe el camino que hay que seguir para fundar el Imperio del Crimen. (FILMAFFINITY)

Actividad Paralela de la Exposición MINERVAS DEL 27. LAS REVISTAS DE UNA GENERACIÓN

En colaboración con

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MINERVAS DEL 27. LAS REVISTAS DE UNA GENERACIÓN
2017-11-28 11:00 - 21:00 | Sevilla
Del 28 de noviembre al 23 de febrero
SALA EP1.
Horario: De lunes a viernes de 11 a 21 h. Sábados y Festivos cerrado.

Con motivo del 90 aniversario de la que es considerada como la presentación oficial de la Generación del 27 en Sevilla, el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS) rinde homenaje a esta efeméride con la exposición Minervas del 27. Las revistas de una generación.

En diciembre de 1927, un grupo de jóvenes –Federico García Lorca, Rafael Alberti, Dámaso Alonso o Jorge Guillén entre otros–, reunidos por la conmemoración del tercer centenario de la muerte de Luis de Góngora, celebraron en el Ateneo hispalense su particular puesta de largo. Las relaciones intelectuales y personales que entonces entablarían se mantuvieron durante sus respectivas y prolíficas carreras, reflejándose en el epistolario que en esta ocasión se expone.

Esta muestra presenta y rememora una de las facetas menos estudiadas de la que se conoce como la Edad de Plata de la literatura española, las revistas poéticas y literarias publicadas durante este periodo de intensa productividad tanto en diversidad como en calidad e importancia. Sus números, de trascendencia nacional e internacional, constituyeron una plataforma idónea para mostrar su poesía, su creatividad e incluso sus modernas apuestas tipográficas, mientras los libros que aparecieron como sus suplementos terminaron por erigirse en los pilares fundacionales de esta corriente. Desde Sí o Índice como precedentes se inicia un recorrido en el que sobresalen las revistas andaluzas Mediodía, Gallo o Litoral y se alcanzan las publicaciones en el exilio y las editadas en España tras la Guerra Civil, como Romance o Revista de las Españas. De este modo se analiza la evolución de estas manifestaciones literarias centradas en los proyectos nacidos en Andalucía, si bien no solo los poetas andaluces participarían en ellos.

Las artes plásticas, el teatro, el cine o la música son algunos de los aspectos que incidieron en el mundo de las revistas de esta generación. Así, los dibujos de José Moreno Villa, los figurines de José Caballero o las composiciones de Manuel de Falla reflejan el continuo intercambio artístico que conforma este universo. Colaboraciones en las que las relaciones de amistad entre los distintos personajes plasmadas en cenas superrealistas, excursiones y verbenas son fundamentales.

Esta muestra supone una oportunidad única para redescubrir un capítulo esencial de la historia reciente de la literatura española.

CICUSDOC · AMAZONA
2017-11-28 20:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
CICUSDOC · DOCS BARCELONA DEL MES
20h · Auditorio Cicus

Martes 28 de noviembre

AMAZONA
(Clare Weiskopf, Colombia, 2016, 82 min, V.O.S.E.)

¿Qué hace que una mujer sea buena madre? ¿Es necesario renunciar a tus propios sueños, por extremos que sean, cuando tienes hijos?
Clare Weiskopf, la directora del film, tenía 11 años cuando su madre huyó a la jungla colombiana, abandonándola a ella y a su hermano pequeño. Treinta años después, Clare se queda embarazada y decide reencontrarse con su madre para buscar respuestas y cerrar heridas. Necesita tener su propio concepto del significado de la maternidad.
Un viaje a las profundidades del Amazonas que le servirá para explorar una relación que creía perdida y que la transportará al interior de su propio ser, el único camino posible para reconciliarse con ella misma.
Una historia fascinante entre dos mujeres, madre e hija, llena de conversaciones que hacen saltar chispas, que nos sitúa ante un dilema moral sobre los límites de la libertad y la responsabilidad.

En colaboración con

TRANSFORMACIONES XI · ARTE Y ESTÉTICA DESDE 1960 · EN TORNO A LA IDEA DE DISPOSITIVO
2017-11-29 19:00 | CICUS · Auditorio, c/Madre de Dios 1-3, Sevilla, España
Transformaciones: Arte y Estética desde 1960 / XI Edición. En torno a la idea de dispositivo
MÁS INFORMACIÓN E INSCRIPCIÓN AQUÍ

LA SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO
PATXI LANCEROS MÉNDEZ – Universidad de Deusto.
ROGELIO LÓPEZ CUENCA – Artista.
Contenidos
¿Sobre qué entramado descansa el arte? ¿Qué actividades lo alimentan? ¿Qué instituciones lo preservan? ¿A qué precio? Estas son algunas de las preguntas que corren a lo largo del arte moderno, a veces bajo los silenciosos rasgos de la ironía, en otras ocasiones con el calor de la protesta y otras con acciones de rechazo. En torno a 1992 se abre una vía más sistemática y menos patética que se esfuerza en el análisis de los diversos medios en los que se produce y reproduce el arte: el museo, la exposición, la colección, el mercado, la crítica, la historia y teoría del arte. Esta vía, llamada “crítica institucional”, se convierte desde entonces en reflexión sobre el arte y en práctica artística que llevan adelante, entre otros, autores como Fred Wilson, Andrea Fraser, Renée Green, Mark Dion o Michael Asher.

La “crítica institucional” contó con el apoyo teórico del concepto de “dispositivo”. De modo urgente y simplista, cabría decir que un dispositivo es aquello por lo que algo adquiere una determinada visibilidad social y cultural, le otorga “figura propia”. Estas figuras las fijan e impulsan “discursos” y “enunciados” que diferencian el arte de otras esferas del saber y el valor, y en su caso concreto le confieren el privilegio de la autonomía (y tal vez de la excepcionalidad). Pero esos discursos y enunciados están vinculados a prácticas solventes concretadas en el valor económico y en el prestigio del Estado y de determinadas fuerzas sociales: sin ellas apenas pueden pensarse instituciones como el museo o la galería, sin las que el arte carecería de visibilidad y difusión, pero también entrañan claras dosis de servidumbre. El “dispositivo” (resumido aquí de modo simplificador, si no simplista) no debe entenderse como mera imposición: lleva consigo una formación de la inteligencia y la sensibilidad, un lento tallado de la subjetividad por el que hacemos nuestras estas líneas de fuerza que mueven el arte y en las que se mueve el arte.
No podemos en un curso desarrollar plenamente esas líneas, pero sí propiciar algunas ideas que puedan servir de fermento crítico. Por ejemplo, cómo el arte se apropia de elementos de las culturas primitivas, desnaturalizándolos, o de qué manera el arte se desliza al mero espectáculo o en qué condiciones la exposición puede dar visibilidad general a iniciativas artísticas hasta entonces recluidas en espacios reducidos. Considerar el arte como “dispositivo” genera evidentemente una crítica, pero también puede hacer consciente de prácticas que quebranten, o al menos debiliten, los discursos vigentes. De todo ello queremos hablar en este curso, undécima edición de Transformaciones, arte y estética desde 1960.
