TALLER UBICUA17: ANÁLISIS E HISTORIA DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA

Objetivos y Contenidos

OBJETIVO

Formulada por primera vez al calor de las vanguardias de principios del siglo XX, la música electrónica ha recorrido un largo camino, que la ha llevado desde los laboratorios más avanzados de la música contemporánea a las radiofórmulas y los clubes de baile underground. Una evolución que va ligada de manera directa al desarrollo de la tecnología, y que la ha terminado por convertir en una poderosa herramienta, que ha infectado todos los géneros y convenciones, cambiando por completo la manera en la que entendemos la música.

El curso pretende dar una visión acerca de cómo se ha producido esa evolución, y cuáles son los distintos caminos que han ido surgiendo durante el proceso, utilizando una perspectiva teórica y práctica, en la que se incluirán una serie de clases magistrales, varias masterclass con profesores invitados y diverso material complementario, incluyendo bibliografía, discografías recomendadas y una selección de documentales, de manera que los alumnos puedan completar la información recibida en los aspectos que más les interesen.


- TRABAJO TEÓRICO:

01. Introducción. ¿Qué es exactamente la música electrónica? ¿Con qué instrumentos se toca? ¿Cómo se puede reconocer? ¿Cómo se consume? Responder a todas estas preguntas es la mejor manera de abrir las puertas de este tema fascinante.

02. Pioneros de la música electrónica. El camino que va desde los intonarumori y las primeras formulaciones de la electrónica a pioneros del sintetizador como Raymond Scott o Robert Moog, pasando por las escuelas de la música concreta y laboratorios de sonido del calibre de la BBC Workshop. Artistas visionarios, que ayudaron a sentar las bases de la música electrónica.

03. La música disco y el nacimiento de la cultura del baile. La transformación de géneros de música negra, como el soul y el funk, en productos pensados exclusivamente para la pista de baile, produjo nuevos géneros musicales y la formulación de la cultura de club.

04. Dub. Aparecido en Jamaica, a partir de la experimentación con discos de reggae por parte de productores locales, el dub es el primer género que utiliza el concepto de remezcla y el uso extensivo de efectos electrónicos para crear nuevas piezas de música que más tarde serían consumidas en los populares soundsystems de la isla, auténticas discotecas móviles. Ramificado en cientos de derivaciones y subgéneros, su influencia es todavía mayúscula en la música actual.

05. El ritmo roto: electro, hip hop, r’n’b y ciencia abstracta. El uso imaginativo de cajas de ritmo, samplers y platos de vinilo por parte de pandillas y soundsystems, en los barrios negros de las grandes ciudades estadounidenses, permitió definir una completa cultura musical, que ha terminado por modificar las estructuras sociales y los estándares dentro de la industria del pop.

06. House. La revolución ácida. Surgido en los clubes gays de Chicago, como una variante más dura y hedonista de la música disco, el house ha terminado por convertirse en la música de club más popular en todo el mundo. Un estilo en el que conviven estrellas mediáticas a nivel mundial y artistas sumergidos en el underground.

07. Techno. Ciencia ficción y distopía. Nacida en principio una versión más cerebral y dura del house, el techno representa en la actualidad la rama de investigación y ciencia dentro del mundo de la cultura de club.

08. Música industrial, EBM y post-punk. Durante la década de los ochenta, con la popularización y el abaratamiento de sintetizadores y cajas de ritmos, muchos artistas comenzaron a explorar las posibilidades que ofrecía esa tecnología, de cara a cambiar las estructuras y los sonidos en el pop y en el rock más experimentales.

09. La cultura rave. La popularización de géneros como el house y el techno, y la aparición de nuevas drogas sintéticas, provocó una gran explosión alrededor de la música electrónica, cuyo epicentro estaba situado en Inglaterra. Configuradas en principio como fiestas ilegales, en las que reinaba un espíritu de comunidad y solidaridad, suponen el germen de los grandes eventos y los macroclubes que pueblan la cultura de club en la actualidad, siendo su máximo exponente el circuito de la EDM en Estados Unidos.

10. Pop y música electrónica. Las técnicas de producción y los recursos utilizados en la música de baile no han permanecido estancas, sino que han infectado la manera de trabajar y el sonido de muchas bandas y artistas desde mediados de los ochenta. Hasta el punto de que, en la actualidad, no se concibe la producción de un disco sin utilizar herramientas electrónicas.

11. La deriva experimental: ambient, drones, ruidismo y soundscapes. No todo es baile en la música electrónica; también hay géneros que utilizan los mismos recursos y herramientas para producir música altamente experimental, en la que mandan la abstracción y los sonidos extremos, y los lugares comunes se ponen en duda.

12. Cruces entre música electrónica, jazz y contemporánea. No sólo el pop y el rock se han dejado convencer por los modos de la música electrónica. Otros géneros, en principio más impermeables al asunto, se han dejado contaminar por este virus, produciendo híbridos a medio camino entre géneros, completamente aceptados en la actualidad.


- TRABAJO PRÁCTICO:


Masterclass:

Con objeto de incidir en una visión más práctica del asunto, se proponen también varias masterclass, realizadas por invitados especializados en ciertos aspectos relativos a la producción o la cultura derivadas de la música electrónica. Aunque estas clases tendrán un formato eminentemente práctico, se han buscado temas y ponentes que puedan interesar a neófitos o curiosos.

01. Sampling. Reciclaje y reinvención sonora como herramienta creativa. Por Philip Sherburne. Los samples son pequeños fragmentos tomados de otras canciones, o grabados en la vida real, que luego se manipulan para incrustarlos en las bases de nuevas composiciones. Esta técnica constituye uno de los recursos más importantes de la música electrónica, y a su alrededor se ha creado todo un discurso ético (acerca de los límites de los derechos de autor, el apropiacionismo o el reciclaje de sonidos), pero también estético. El estadounidense Philip Sherburne, uno de los periodistas más populares del mundo en el entorno de la música electrónica (su firma se puede encontrar en medios como Spin, The Wire, The New York Times, Pitchforkmedia o Resident Advisor), hablará de cómo ha evolucionado esta técnica y de todas esas controversias surgidas a su alrededor.

02. Estrategias, recursos y formatos a la hora de pinchar. Por Undo. Dentro del universo de la música electrónica, la figura del dj ocupa un lugar predominante: un artista que se dedica a mezclar discos grabados por otras personas para construir una atmósfera, un ambiente apropiado para que el público baile con alegría. Claro que pinchar no es tan sólo poner una canción después de otra; hay multitud de técnicas y estilos a la hora de pinchar, que tienen mucho que ver con las distintas culturas y con los espacios en los que actúa el dj. Undo, uno de los productores y djs más prestigiosos del país, hablará acerca de cómo prepara sus sesiones, y de técnicas y estrategias que utilizan djs de todo el mundo.

03. Noise music. Por Oriol Rosell. Dentro del universo de la música electrónica, la llamada “noise music” supone el extremo más crudo y experimental, un lugar en el que las convenciones melódicas y estructurales desaparecen y el ruido emerge como hilo conductor. Oriol Rosell, uno de los críticos más reputados del país dentro del ámbito de la música electrónica, ha escrito un libro sobre este asunto, “Earfuck”, que verá la luz a principios de 2017, y que según sus propias palabras “analiza el impacto y los múltiples significados del ruido en la música popular del último siglo, de The Kinks a Merzbow; de Manowar a My Bloody Valentine; de Public Enemy a Whitehouse”.